arquitectura

20 años de Serpentine Pavilions

Por: Marta González Muguruza
Imágenes: Gentileza Serpentine Galleries

Esta iniciativa concebida por la directora de la Serpentine Gallery, Julia PeytonJones, se ha convertido en un espacio de experimentación, reflexión y debate que atrae cada verano a unos 250.000 visitantes. El 11 de junio, luego de haberse pospuesto por un año debido a la pandemia, se inauguró el Pabellón número 20, diseñado por el estudio Counterspace de Johannesburgo. Sumayya Vally, directora del estudio, aprovechó el hiato para hacer crecer la propuesta. Vally se había mudado a Londres en diciembre de 2019 y se obsesionó "con la rica historia de inmigración, organización comunitaria y resistencia colectiva de la capital". Su investigación la llevó a lugares de culto, restaurantes, librerías, mercados al aire libre e instituciones culturales; centros significativos para las comunidades de inmigrantes y transculturales en los vecindarios como Brixton, Hoxton, Hackney, Peckham, Ealing, North Kensington,Whitechapel y Edgware Road, entre otros. Muchos de estos espacios de encuentro comunitario ya no existen, por lo que Vally propuso como objetivo para su pabellón enfatizar su importancia y abogar por su protección para que no se pierdan más en el futuro. "Mi práctica, y este Pabellón, se centra en amplificar y colaborar con múltiples y diversas voces de muchas historias diferentes; con interés en temas de identidad, comunidad, pertenencia y encuentro. El año pasado ha resaltado estos temas claramente y me ha permitido el espacio para reflexionar sobre la increíble generosidad de las comunidades que han sido parte integral de este Pabellón. Esto dio lugar a varias iniciativas que extienden la duración, la escala y el alcance del Pabellón más allá de su vida útil física", explicó Vally refiriéndose al hecho de que por primera vez el Pabellón excederá los límites de Kensington y contará con partes móviles de la estructura que se transportarán por la ciudad para fomentar reuniones improvisadas y actuar como espacios emergentes para eventos y al lanzamiento de un nuevo programa de becas para artistas que trabajan con políticas espaciales y prácticas comunitarias.

2021. Counterspace. El pabellón propiamente dicho está construido con acero recuperado, corcho y madera cubierta con microcemento. Las diferentes texturas, tonos de rosa y marrón fueron tomados de la arquitectura de Londres y hacen referencia a los cambios en la calidad de la luz. En cuanto a las estructuras móviles, una es una estantería combinada con un podio de lectura de poesía para la New Beacon Books en Finsbury Park, una de las primeras editoriales y librerías negras de Londres; otra es un escenario adaptable para el centro de artes de Albany en Deptford; le siguen una estructura de asientos / escenario, para el "Tabernáculo" de Notting Hill y finalmente, una plataforma de grabación para la biblioteca Valence en Barking y Dagenham, como parte de un proyecto de estación de radio que se lanzará en septiembre. Además, un programa de sonido, "Listening to the City", conectará a los visitantes con las historias y los sonidos de los espacios perdidos en Londres.

2000: Zaha Hadid. En el año 2000, la Serpentine Gallery había lanzado una convocatoria para desarrollar un pabellón en el que se pudieran realizar actividades culturales al aire libre. La convocatoria tenía como intención celebrar el nuevo milenio con diseño y arquitectura y tuvo buena repercusión entre los estudios. El proyecto presentado por la arquitecta anglo-iraquí, Zaha Hadid, fue el ganador con una estructura de acero y techo de planos triangulares que se extendían hasta el suelo, generando un espacio interno de 600 metros cuadrados

2001: Daniel Libeskind. Llamado "Dieciocho vueltas", el diseño de Libeskind era una formación de planos metálicos angulares dispuestos para formar un rompecabezas visual. El pabellón fue diseñado como un "flatpack" para facilitar su estilo de vida nómada post-Serpentine.

2002: Toyo Ito. La propuesta de Toyo Ito y Cecil Balmond (diseñador estructural) partió de un cubo y trabajó sobre un algoritmo que expandía la figura a medida que ésta giraba. ¿El resultado? Numerosos triángulos y trapecios dados por la intersección de líneas, que al ser algunos revestidos y traslúcidos, transmitían la sensación de repetición hasta el infinito.

2003: Oscar Niemeyer. El diseño del brasileño Oscar Niemeyer para el pabellón del 2003 fue simple e ingenioso, sin traicionar su estilo característico. Construida en acero, aluminio, hormigón y vidrio, la propuesta sorprendía con una gran rampa de entrada hacia un auditorio parcialmente sumergido. La disposición enmarcaba la vista al parque y su interior servía de galería para dibujos del mismo Niemeyer.

2004: MVRDV. La ambiciosa propuesta del estudio holandés consistía en construir una suerte de montaña sobre la galería, creando artificialmente un elemento natural que permitiera a los visitantes ocupar el pabellón tanto por dentro como por fuera. Debido a las limitaciones presupuestarias y la imposibilidad de concretar diseño y construcción en el lapso de seis meses, la propuesta nunca llegó a ser construida.

2005: Alvaro Siza + Eduardo Souto de Moura. Concebido como un "animal agazapado", el diseño de los arquitectos portugueses, presentó un techo curvo que giraba en los aleros para extenderse hacia afuera y hacia abajo hasta el suelo, buscando un efecto de cascada. Al diseñar el Pabellón, Siza buscó "garantizar que el nuevo edificio, al tiempo que presenta una arquitectura totalmente diferente, establezca un diálogo "con la casa neoclásica"- refiriéndose a la galería-. El resultado fue una estructura que reflejaba la escala doméstica de la Serpentine y articulaba el paisaje entre los dos edificios.

2006: Rem Koolhaas (OMA). La pieza central del diseño ideado por el holandés Rem Koolhaas, era un increíble dosel inflable de forma ovoide que flotaba sobre el césped de la galería. Hecha de material translúcido, la estructura se iluminaba desde adentro por la noche y el dosel se elevaba en el aire o bajaba para cubrir el anfiteatro, según el clima.

2007: Kjetil Thorsen (Snøhetta ) + Olafur Eliasson. El pabellón creado por el artista Olafur Eliasson y el arquitecto Kjetil Thorsen, consistió en una estructura revestida en madera que junto a una amplia rampa en espiral desde el césped hasta la cúpula, resultaban casi en un trompo gigantesco que regalaba en su punto más alto, una imponente vista de los jardines de Kensington. El Pabellón funcionó como un "laboratorio" todos los viernes por la noche con artistas, arquitectos, académicos y científicos, que dirigían una serie de experimentos públicos. El programa que Eliasson y Thorsen concibieron con la Serpentine Gallery culminó en un extraordinario evento: "Experiment Marathon", donde por 48 horas exploraron la arquitectura de los sentidos.

2008: Frank Gehry + Arup. Anclado en cuatro enormes columnas de acero, el diseño de Gehry consistió en grandes tablones de madera y una compleja red de planos de vidrio superpuestos con el objetivo de generar un espacio dramático y multidimensional. Parte anfiteatro y parte paseo peatonal, el pabellón presentaba asientos en terrazas a lo largo de ambos lados de una avenida central que conducía a la Serpentine Gallery. Gehry y su equipo comentaron en la presentación, haber buscado inspiración en varias fuentes e incluso en las elaboradas catapultas de madera diseñadas por Leonardo da Vinci, así como también en las paredes rayadas de las cabañas de playa, para llegar al diseño final del pabellón.

2009: Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa (SANAA). Una cubierta ondulante de aluminio apoyada sobre ligeros pilares metálicos que reflejaban el parque y el cielo, fue la propuesta de SANAA "El pabellón es de aluminio, flotando libremente entre los árboles, como humo. Su apariencia cambia según el clima y se funde en el entorno. Funciona como un espacio de actividad sin paredes, que permite una vista ininterrumpida del parque y fomenta el acceso desde todos los lados", comentaron Sejima y Nishizawa.

2010: Jean Nouvel. Formas geométricas audaces, grandes toldos retráctiles y una pared independiente inclinada a 12 metros sobre el césped. La propuesta de Jean Nouvel para el décimo pabellón de la Serpentine Gallery celebró el verano de Londres. En palabras del arquitecto francés, "el pabellón es como un faro, una celebración del verano. Lleva los contrastes al extremo. Es complementario. Complementario al parque, al ladrillo de la Serpentine Gallery. Es rojo. Es estacional. El rojo es el calor del verano. El rojo complementa al verde.El rojo es brillante, vivo, penetrante. El rojo es provocador, prohibido, ruidoso. El rojo es tan inglés como una rosa roja, tan rojo como los objetos icónicos de Londres, un autobús de dos pisos o una cabina telefónica, los lugares transitorios hacia los que gravitamos".

2011: Peter Zumthor. El pabellón ideado por Peter Zumthor llevó el nombre de "Hortus Conclusus" y era un espacio diseñado para la contemplación y la reflexión. Una paulatina transición hacia un jardín interior que permitía a los visitantes desconectarse de los ruidos y el ajetreo de la ciudad. "Quiero ayudar al público a tomarse el tiempo de relajarse, observar y luego, tal vez, comenzar a hablar de nuevo; tal vez no. Un jardín es el conjunto de paisajes más íntimo que conozco. Está cerca de nosotros. Allí cultivamos las plantas que necesitamos. Un jardín requiere cuidado y protección. Y así lo rodeamos, y lo defendemos. Le damos cobijo. El jardín se convierte en un lugar", señalaba el arquitecto suizo en la inauguración, al tiempo que enfatizaba el papel fundamental que desempeñan los sentidos y las emociones en nuestra experiencia con la arquitectura.

2012: Herzog & de Meuron + Ai Weiwei. El Pabellón 2012 llevó al público bajo el césped de la Serpentine a explorar la historia oculta de sus pabellones anteriores. Once columnas que caracterizaban cada pabellón pasado y una duodécima columna que representaban la estructura actual, sostenían un techo de plataforma flotante a 1,5 metros del suelo. El interior del pabellón estaba revestido de corcho, un material elegido por sus cualidades únicas y para hacer eco de la tierra excavada. "Nuestro camino hacia una solución alternativa implica excavar unos cinco pies en el suelo del parque hasta llegar al agua subterránea. De esa manera incorporamos un aspecto invisible de la realidad en el parque - el agua bajo tierra - en nuestro Pabellón. A medida que excavamos en la tierra para llegar al agua subterránea, nos encontramos con una diversidad de realidades construidas, como cables telefónicos, restos de cimientos anteriores o rellenos. Como un equipo de arqueólogos, identificamos estos fragmentos físicos como restos de los once pabellones construidos entre 2000 y 2011", explicaban la dupla de arquitectos suizos, Jacques Herzog y Pierre de Meuron, y el artista chino, Ai Wai Wei, sobre el camino que habían elegido para su proyecto.

2013: Sou Fujimoto. El Pabellón, apodado "la nube", fue un ejercicio de ligereza y modulación ya que se construyó a partir de postes de acero blanco de 20 mm en un intrincado diseño de celosía que parecía surgir del suelo como una matriz brillante. "Para el Pabellón de 2013, propongo un paisaje arquitectónico: un terreno transparente que anima a las personas a interactuar y explorar el sitio de diversas formas. Dentro del contexto pastoral de los jardines de Kensington, imagino la vívida vegetación de la vida vegetal circundante entretejida con una geometría construida. Se creará una nueva forma de entorno, donde lo natural y lo artificial se fusionan; no únicamente arquitectónico ni únicamente natural, sino un encuentro único de los dos", describió Fujimoto.

2014: Smiljan Radić. El arquitecto chileno Smiljan Radić diseñó el decimocuarto Pabellón. La estructura cilíndrica semi translúcida de fibra de vidrio que descansaba sobre grandes piedras de cantera estaba basada en una maqueta de papel maché que Radic había creado años atrás inspirado en la historia de Oscar Wilde, "El Gigante Egoísta". El cascarón traslúcido de espesor mínimo, se iluminaba desde el interior entregando tonos ámbar por las noches y logrando la sensación de que el volumen entero flotaba. "En general, lo primitivo aparece como ruinas o ha sido desgastado por el tiempo, mostrando una forma extravagante, sorprendente y, a menudo, arcaica. Estas características disuelven artificialmente los límites temporales y físicos de las construcciones en su entorno natural. El Pabellón de 2014 toma estos principios y los aplica utilizando un lenguaje arquitectónico contemporáneo", compartió Radic.

2015: SelgasCano. "Buscamos una forma de permitir al público experimentar la arquitectura a través de elementos simples: estructura, luz, transparencia, sombras, ligereza, forma, sensibilidad, cambio, sorpresa, color y materiales. Por tanto, hemos diseñado un pabellón que incorpora todos estos elementos. Las cualidades espaciales del Pabellón sólo se despliegan al acceder a la estructura y sumergirse en ella. Cada entrada permite un recorrido específico por el espacio, caracterizado por el color, la luz y las formas irregulares con volúmenes sorprendentes", explicaban José Selgas y Lucia Cano, fundadores del estudio de arquitectura madrileño. ¿El resultado? Una estructura amorfa recubierta con paneles de un polímero traslúcido y multicolor hecho a base de flúor. Los visitantes podían entrar y salir del Pabellón en varios puntos diferentes, pasando por un "pasillo secreto" entre la capa exterior e interior de la estructura.

2016: Bjarke Ingels Group (BIG). Bjarke Ingels Group (BIG) propuso para el pabellón, un "muro desabrochado" que partía de una línea recta hasta transformarse en un espacio tridimensional, creando una estructura dramática, que durante el día albergaba un café y actividades familiares gratuitas y por la noche se convirtía en un espacio para el programa Park Nights de la galería donde tenían lugar obras performáticas de artistas, escritores y músicos."Decidimos trabajar con uno de los elementos más básicos de la arquitectura: la pared de ladrillos. Sin embargo, en lugar de ladrillos de arcilla o bloques de piedra, la pared se erige a partir de marcos de fibra de vidrio pultruidos, apilados uno encima del otro. Luego, la pared se separa para formar una cavidad dentro de ella y albergar los eventos del programa del Pabellón. Esta apertura de la pared convierte la línea en una superficie, transformando la pared en un espacio", reflexionaba Ingels acerca del proyecto.

2017: Diébédo Francis Kéré. Inspirado por el árbol que sirve como punto central de encuentro para la vida en su ciudad natal de Gando, en Burkina Faso, Francis Kéré diseñó un pabellón que buscaba conectar a sus visitantes con la naturaleza y entre sí. Un techo expansivo, sostenido por un armazón de acero central, imitaba el dosel de un árbol, permitiendo que el aire circulara libremente mientras ofrecía refugio contra la lluvia de Londres y el calor del verano. "El diseño propuesto para el Pabellón Serpentine 2017 fue concebido como un microcosmos, una estructura comunitaria dentro de los jardines de Kensington que fusiona las referencias culturales de mi país natal, Burkina Faso, con técnicas de construcción experimentales. Mi experiencia de crecer en una aldea remota en el desierto me ha inculcado una gran conciencia de las implicaciones sociales, sostenibles y culturales del diseño. Creo que la arquitectura tiene el poder de sorprender, unir e inspirar a todos al mismo tiempo que media en aspectos importantes como la comunidad, la ecología y la economía", sostuvo Kéré.

2018: Frida Escobedo. Frida Escobedo propuso como diseño para el pabellón, un patio cerrado compuesto por dos volúmenes rectangulares colocados en ángulo. Los muros exteriores se alineaban con la fachada de la Serpentine Gallery, mientras que el eje del patio interior sostenía dirección norte, haciendo referencia al meridiano de Greenwich por el que se rige el mundo. "El diseño del Serpentine Pavilion 2018 es un encuentro de inspiraciones materiales e históricas inseparables de la propia ciudad de Londres y una idea que ha sido fundamental para nuestra práctica desde el principio: la expresión del tiempo en la arquitectura a través del uso innovador de materiales cotidianos y formas simples. Para el pabellón, hemos trabajado con luz y sombra, reflexión y refracción, convirtiendo el edificio en un reloj que marca el paso del día".

2019: Junya Ishigami. El diseño de Ishigami se inspiró en los techos, la característica arquitectónica más común utilizada en todo el mundo y lo plasmó colocando lajas de piedra para crear un solo techo que parecía emerger del suelo del parque que lo rodeaba y levitar como una tela ondulante. El interior cerrado en forma de cueva, ofrecía refugio para la contemplación. Para Ishigami, el Pabellón articuló su filosofía de "espacio libre" en la que busca la armonía entre las estructuras hechas por el hombre y las que ya existen en la naturaleza. "Se trata de un intento de complementar la arquitectura tradicional con metodologías y conceptos modernos, para crear en este lugar una extensión de paisaje como nunca antes se había visto."